Sofia Carmina Coppola (Nueva York; 14 de mayo de 1971) es una directora, actriz, productora y guionista de cine estadounidense. Conocida por ser hija del mítico director Francis Ford Coppola, la joven cineasta ha dirigido hasta 8 largometrajes, destacando obras como Lost in Translation (2003) o The Beguiled (2017) que la galardonaron en premios como Los Globos de Oro, los Óscar o el Festival de Cannes.
Curiosamente, la carrera cinematográfica de Sofia Coppola comenzó a muy temprana edad, ya que siendo un bebé apareció en la película El padrino en la escena del bautismo interpretando a Michael Francis Rizzi y en El Padrino II apareció como un niño inmigrante. Su carrera como actriz no tuvo mucho desarrollo. Solo llegó a interpretar pequeños papeles en películas como Inside Monkey Zetterland (1992) o Star Wars: Episode I – The Phantom Menace (1999).
Su faceta como directora detrás de las cámaras le permitió tener un reconocimiento a nivel mundial gracias a largometrajes como Las Vírgenes Suicidas (1999) y más adelante, Lost in Translation (2003). Una película que fue premiada con el Óscar al mejor guion original y tres premios Globos de Oro, entre ellos el de mejor película en la categoría de comedia o musical.
En 2006, Sofia Coppola estrena su película Marie Antoinette (2006), adaptación de la biografía de la reina de Francia escrita por la historiadora británica Antonia Fraser.
Nacida en Alemania (Karlsruhe, 12 de diciembre de 1976) Maren Ade es una directora, guionista y productora de cine, que además, enseña escritura de guiones en la Academia de Cine de Baden-Württemberg en Luisburgo.
En 2001 empezó su carrera en el mundo del cine al co-fundar la productora cinematográfica Komplizen Film junto con Janine Jackowski. Gracias a esta productora pudo llevar a cabo su primera película, The forrest for the trees (2003) La película alemana, rodada en tan solo 25 días y con un presupuesto mínimo de 160.000€, se convirtió en todo un éxito recibiendo numerosos premios. Entre ellos el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de Sundance en 2005.
En 2009 dirigió su segunda película titulada Everyone else y posteriormente, en 2016 dirigió Toni Erdmann, un largometraje que debutó en el Festival de Cine de Cannes 2016, siendo la primera película alemana en debutar allí en diez años. El filme ganó el premio máximo en los European Film Awards, convirtiendo a Maren Ade en la primera mujer en dirigir una película que ganó el primer lugar en dichos premios.
La película Toni Erdmann narra la historia de una mujer que deberá pasar tiempo con su padre cuando este le sorprende con una visita por sorpresa.
Bong Joon-Ho (Daegu, Corea del Sur; 14 de septiembre de 1969) es un director y guionista sur coreano famoso por obras de éxito como Memories of murder (2003), Okja (2017) o la aclamada Parasite (2019). Esta ultima, se coronó con la Palma de Oro del Festival de Cannes y el Óscar a Mejor Película.
Joon-Ho decidió convertirse en cineasta mientras cursaba la escuela media, quizás influenciado por una familia artística (su padre fue diseñador y su abuelo un notable autor).
A comienzos de 1990 completó un programa de dos años en la Academia Coreana de Artes Fílmicas. Mientras estaba allí hizo muchos cortos de 16 mm y su trabajo de graduación “Recuerdo en el Cuadro e incoherencia” fue convocado a proyectarse en los festivales internacionales de cine de Vancuover y Hong Kong.
En sus películas suele presentar temas incomodos, humo negro y cambios de tono y humor que dejan al espectador asombrado y a la vez confundido. En sus largometrajes, también podemos encontrar una gran mezcla de géneros, muy semejante al cine de Quentin Tarantino.
Por lo que respeta a sus próximos proyectos, se sabe que Bong Joon-Ho ha finalizado una de los dos guiones que tenia en desarrollo. El coreano no ha concretado cuál de las dos películas está ya lista para entrar en fase de preproducción, pero todo parece indicar que tendremos noticias de alguna de las dos a lo largo del año.
Guillermo del Toro Gómez, nacido el 9 de octubre de 1964, es un director de cine, autor, actor y maquillador mexicano. Es conocido por sus películas de fantasía Pan’s Labyrinth(2006) y The Shape of Water(2017), con las que ganó el Óscar al mejor director y a la mejor película.
Del Toro nació en Guadalajara, Jalisco, México, hijo de Guadalupe Gómez y Federico del Toro Torres, un empresario del sector automotriz. Ambos son de ascendencia española. Se crió en un hogar católico estricto. Del Toro estudió en el Centro de Investigación y Estudios Cinematográficos de la Universidad de Guadalajara.
Del Toro estudió efectos especiales y maquillaje con el artista de efectos especiales Dick Smith. Pasó 10 años como diseñador de maquillaje de efectos especiales y formó su propia empresa, Necropia. También fue cofundador del Festival Internacional de Cine de Guadalajara. Más adelante en su carrera como director, formó su propia productora, Tequila Gang.
Del Toro ha dirigido una gran variedad de películas, desde adaptaciones de cómics (Blade II, Hellboy) hasta películas históricas de fantasía y terror, dos de las cuales están ambientadas en España en el contexto de la Guerra Civil española bajo el régimen autoritario de Francisco Franco. Estas dos películas, El espinazo del diablo y El laberinto del fauno, se encuentran entre sus obras más aclamadas por la crítica. Comparten escenarios, protagonistas y temas similares con la película española de 1973 El espíritu de la colmena, ampliamente considerada como la mejor película española de la década de 1970.
Es muy amigo de otros dos destacados cineastas mexicanos, alabados por la crítica, Alfonso Cuarón y Alejandro González Iñárritu. Los tres suelen influirse mutuamente en sus decisiones de dirección, y han sido entrevistados juntos por Charlie Rose. Cuarón fue uno de los productores de El laberinto del fauno, mientras que Iñárritu colaboró en el montaje de la película. Los tres cineastas, conocidos como los “Tres Amigos”, fundaron la productora Cha Cha Cha Films, cuyo primer estreno fue Rudo y Cursi, de 2008.
Ha sido la gran revelación en la última gala de los Óscars al ganar el premio a mejor dirección, gracias a su obra Nomadland, que además obtuvo el Óscar a la mejor película.
Chloé Zhao (31 de marzo de 1982, Pekín, China) emigró a Inglaterra para realizar un intercambio cuando apenas era una adolescente. Ella se definía como una persona rebelde y algo vaga para los estudios, pero gracias a su viaje a Gran Bretaña empezó a desarrollar una fuerte admiración por la cultura popular de occidente. Curiosamente, Chloé Zhao acabó estudiando ciencias políticas en Estados Unidos, pero finalmente, una vez acabado este grado, se decantó por producción de cine en la universidad de Nueva York donde empezaría a forjar su carrera como cineasta.
Gracias a su obra Nomadland, ha conseguido alzarse como una de las promesas en galas como Los Globos De Oro y los Óscars. Su último largometraje le ha permitido alcanzar la cima, en cuanto a premios se refiere: Óscar a mejor dirección y Óscar a mejor película.
Según parte de la critica, sólo ha necesitado 4 largometrajes para postularse como una de las principales cineastas del siglo XXI.
La carrera de Chloé Zhao no ha hecho más que empezar, pero nos ha demostrado que tiene cuerda para rato. El gran éxito provocado por Nomadland, ha significado la atracción de muchas majors que quieren contar con el talento de Zhao para sus próximos films.
El próximo proyecto de Chloé Zhao no tendrá nada que ver con Nomadland. Se tratará de una película del universo cinematográfico de Marvel (UCM).
A simple vista, puede ser difícil ver como el cine de Zhao encajará con un producto tan estipulado como lo es el UCM. Pero si algo ha demostrado Marvel, es su valentía y su capacidad para sorprender haciendo simplemente “películas de Superhéroes”.
La obra titulada Eternals llegará a las grandes pantallas en Noviembre de este mismo año y en palabras de la cineasta: “No sólo soy la directora, hago la película como fan. Será más grande y espectacular que Vengadores: Endgame”.
Des de luego será muy interesante ver el resultado de esta unión, pero hasta entonces, deberemos aguardar nuestro hype con más teasers de la película.
Anwar Wagdi (11 de octubre de 1904 – 14 de mayo de 1955), nacido Anwar Wagdi Yehia El Fattal, fue un actor, guionista, director y productor egipcio.
Anwar nació en el barrio cairota de El Daher, en El Cairo. Era de ascendencia siria. Su padre, Yehia Wagdy El-Fattal, emigró a Egipto desde Siria con su familia en el siglo XIX por motivos económicos. La madre egipcia de Anwar, Muhiba El-Rikaby, era de El Cairo. Anwar Wagdi estuvo casado con las actrices egipcias Elham Hussein, Leila Mourad (tres veces) y Laila Fawzi. Murió a los 50 años en Suecia mientras recibía tratamiento para una enfermedad renal poliquística.
En 1945, Wagdi decidió entrar en el mundo de la producción cinematográfica con la película “Leila Bint Al-Faqin“. También escribió el guión y fue nominado para protagonizarla con Leila Murad, la primera estrella del cine egipcio y la número uno de la red en aquella época. También fue nominado el director Kamal Saleem. Layla Murad lo aceptó y comenzó las sesiones de trabajo para preparar la película, pero durante ese tiempo, el director Kamal Saleem morirá. Anwar decide seguir produciendo la película y decide que la dirigirá junto con Leila Murad. La película se proyectará y obtendrá un tremendo éxito. Anwar y Gedi se pondrán en la escena cinematográfica, no sólo como estrella, actor y protagonista de una película, sino también como autor, productor y director.
Martin Charles Scorsese, nacido el 17 de noviembre de 1942, es un director de cine, productor, guionista y actor estadounidense. Es una de las principales figuras de la era del Nuevo Hollywood y está considerado como uno de los directores más importantes e influyentes de la historia del cine. La obra de Scorsese explora temas como la identidad italoamericana, los conceptos católicos de culpa y redención, la fe, el machismo, el nihilismo, el crimen y el sectarismo. Muchas de sus películas son conocidas por su representación de la violencia y el uso liberal de blasfemias.
Las películas de Scorsese han sido siempre aclamadas por la crítica. Con nueve nominaciones al Premio de la Academia al Mejor Director, Scorsese es el director vivo más nominado y sólo es superado por las doce nominaciones totales de William Wyler. En 2007, Scorsese recibió el Kennedy Center Honor en el John F. Kennedy Center for the Performing Arts por su influencia en la cultura estadounidense, y cuatro de sus películas han sido incluidas en el National Film Registry por la Biblioteca del Congreso como “cultural, histórica o estéticamente significativas”. También recibió una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood en 2003, una beca del British Film Institute en 1995 y una beca BAFTA en 2012.
Martin Scorsese nació el 17 de noviembre de 1942 en la zona de Flushing, en el distrito neoyorquino de Queens. Su familia se trasladó a Little Italy, en Manhattan, antes de que él empezara a estudiar. Los padres de Scorsese, Charles Scorsese y Catherine Scorsese (nacida Cappa), trabajaban en el Garment District de Nueva York. Charles era prensista de ropa y actor, mientras que Catherine era costurera y actriz. Ambos eran de ascendencia italiana: sus abuelos paternos, Francesco Paolo y Teresa Scozzese, emigraron de Polizzi Generosa, mientras que sus abuelos maternos, Martino y Domenica Cappa, emigraron de Ciminna, ambos en la provincia de Palermo, Sicilia. El apellido original de la familia era Scozzese, que posteriormente se cambió por Scorsese debido a un error de transcripción. Scorsese se crió en un entorno predominantemente católico.
Mientras asistía a la Tisch School of the Arts, Scorsese realizó los cortometrajes What’s a Nice Girl Like You Doing in a Place Like This? (1963) y ¡No eres solo tú, Murray! (1964). Su cortometraje más famoso de la época es el oscuramente cómico The Big Shave (1967), protagonizado por Peter Bernuth. La película es un alegato contra la implicación de Estados Unidos en Vietnam, como sugiere su título alternativo Viet ’67. Scorsese ha mencionado en varias ocasiones que se inspiró mucho en sus primeros días en la Universidad de Nueva York en el profesor de cine Haig P. Manoogian.
Ernst Ingmar Bergman (14 de julio de 1918 – 30 de julio de 2007) fue un director de cine, guionista y productor sueco. Considerado como uno de los cineastas más consumados e influyentes de todos los tiempos, las películas de Bergman incluyen Sonrisas de una noche de verano (1955), El séptimo sello (1957), El silencio (1963), Fresas salvajes (1957), Persona (1966), Gritos y susurros (1972), Escenas de un matrimonio (1973) y Fanny y Alexander (1982); las dos últimas existen en versiones televisivas ampliadas.
Bergman dirigió más de sesenta películas y documentales para el cine y la televisión, la mayoría de los cuales también escribió. Su carrera teatral continuó en paralelo e incluyó períodos como director principal del Real Teatro Dramático de Estocolmo y del Residenztheater de Múnich. También dirigió más de 170 obras. Llegó a forjar una asociación creativa con sus directores de fotografía Gunnar Fischer y Sven Nykvist. La mayoría de sus películas están ambientadas en Suecia, y muchas de ellas, a partir de Through a Glass Darkly (1961), se rodaron enla isla de Fårö.
Aunque se crió en un hogar luterano devoto, Bergman declaró más tarde que perdió su fe a los ocho años, y que sólo se reconcilió con este hecho durante el rodaje de Luz de invierno en 1962. Su interés por el teatro y el cine comenzó pronto: “A los nueve años, cambió un juego de soldaditos de plomo por una linterna mágica, una posesión que cambió el curso de su vida. En un año había creado, jugando con este juguete, un mundo privado en el que se sentía completamente a gusto, recuerda. Creó su propia escenografía, marionetas y efectos de iluminación, y realizó producciones de marionetas de obras de Strindberg en las que hablaba todos los papeles.
La carrera cinematográfica de Bergman comenzó en 1941 con su trabajo de reescritura de guiones, pero su primer gran logro fue en 1944, cuando escribió el guión de Tormento (también conocido como Frenesí) (Hets), una película dirigida por Alf Sjöberg. Además de escribir el guión, fue nombrado ayudante de dirección de la película. En su segundo libro autobiográfico, Images: Mi vida en el cine, Bergman describe el rodaje de los exteriores como su verdadero debut como director de cine. La película suscitó un debate sobre la educación formal sueca. Cuando Henning Håkanson (el director del instituto al que había asistido Bergman) escribió una carta tras el estreno de la película, Bergman, según el académico Frank Gado, despreció en una respuesta lo que consideraba una insinuación de Håkanson de que los estudiantes “que no se ajustaban a alguna prescripción arbitraria de valía merecían la cruel negligencia del sistema”.
Bergman también declaró en la carta que “odiaba la escuela como principio, como sistema y como institución. Y como tal, no he querido criticar mi propia escuela, sino todas las escuelas”. El éxito internacional de esta película llevó a Bergman a tener su primera oportunidad de dirigir un año después. Durante los diez años siguientes escribió y dirigió más de una docena de películas, entre ellas Prisión (Fängelse) en 1949, así como Serrín y oropel (Gycklarnas afton) y Verano con Monika (Sommaren med Monika), ambas estrenadas en 1953.
